Ausstellung von Bildern und Blättern im GDA Wohnstift Neustadt/Weinstraße

Dorit Bearach . Birgit Bellmann . Lothar Böhme . Anke Feuchtenberger . Dieter Finke
Dieter Goltzsche . Kerstin Grimm . Hans Hendrik Grimmling . Marc Gröszer
Jörn Grothkopp . Johannes Grützke . Sylvia Hagen . Thomas Hartmann
Hanna Hennenkemper . Peter Herrmann . Annelise Hoge . Jürgen K. Hultenreich
Katrin Kampmann . Kai Klahre . Jean Yves Klein . Hagen Klennert
Harald-Alexander Klimek . Jürgen Köhler . Natascha Mann . Sophie Natuschke
Regina Nieke . Achim Riethmann . Bodo Rott . Hans Scheib . Sebastian Schrader
Reinhard Stangl . Strawalde . Ruth Tesmar . Manfred Zoller

kuratiert von Anke Zeisler

Die Schau versammelt Malerei, Zeichnungen, Druckgrafiken und Collagen von
zeitgenössischen bildenden Künstlern verschiedener Generationen und Herkunft.
Ebenso spannend wie die jeweiligen Einzelpositionen, meist entstanden in
diesem Jahr, ist das Heterogene der Zusammenschau.

Eröffnung am Freitag, 20.1.2012 in der Städtischen Galerie Speyer

Begrüßung
Monika Kabs, Bürgermeisterin
Clemens Jöckle, künstlerischer Leiter der Galerie

Es spricht Anke Zeisler.

kunst projekte e.v. hat gemeinsam mit dem Kleist-Museum Frankfurt (Oder) ein Buch zur Ausstellung herausgegeben.
zum Buch
hier bestellbar

Dauer 20.1. – 4.3.2012

weitere Ausstellungsorte waren
St. Marienkirche in Frankfurt (Oder) 30.4. bis 26.6.2011
Galerie Alte Schule Adlershof, Berlin 26.8. bis 30.9.2011
Neustadt an der Weinstraße, GDA Wohnstift 7.10.2011 bis 5.1.2012

Einladung zur Ausstellung in Speyer

Drawing Center Diepenheim

Een Keuze Hedendaagse Duitse Tekeningen

A Selection of Contemporary German Drawings

Kuimgaarden 1, 7478 AN Diepenheim
0547-352828

kunstvereniging.nl

Die Ausstellung „Berlin am Meer“ ist ein Gemeinschaftsprojekt des Mecklenburgischen Künstlerhauses Schloss Plüschow und der Galerie Pankow, Berlin. Sie zeigt Arbeiten von Berliner Künstlern und Künstlern, die in Mecklenburg-Vorpommern leben. Zu sehen sind Malerei, Zeichnung und Skulptur. Gemeinsam ist allen eingeladenen Künstlern, dass sie ihre künstlerische Prägung wesentlich in den 80er Jahren in Berlin erfahren haben. Die Mehrzahl von ihnen studierte an der Kunsthochschule in Berlin-Weißensee.
Persönlichkeiten wie Dieter Goltzsche, Hans Vent, Manfred Böttcher oder Lothar Böhme waren prägend für die Entwicklung ihrer künstlerischen Ausdrucksweisen und mit ihrer an der klassischen Moderne geschulten Kunstauffassung Anreger und Lehrer dieser Künstlergeneration. Ihre künstlerische Sprache ist geprägt durch eine von der Natur ausgehende Form der Abstraktion. Nicht ein erzählender Inhalt ist vorrangig, sondern die Eigengesetzlichkeit der Form wird betont. „Die Themen dieser Maler“, so schrieb Matthias Flügge, „sind Mensch, Stadt, Natur und das, was an Beziehungen dazwischen liegt.“ Vor diesem Hintergrund wagt die Ausstellung einen Zeitsprung und zeigt die Künstler und Künstlerinnen mit ihren jüngsten Arbeiten.

Künstler: Martin Colden, Petra Flierl, Volker Henze, Sabine Herrmann,
Jörg-Uwe Jacob, Jürgen Köhler, Michael Kutzner, Sabine Peuckert,
Andreas Barth, Reinhard Buch, Sylvia Dallmann, Peter Lewandowski,
Udo Rathke, Wilfried Schröder, Anne Sewcz, Miro Zahra

Begrüßung: Annette Tietz, Leiterin der Galerie Pankow
Es sprechen: Katrin Arrieta, Kunsthistorikerin, Rostock
Ulrich Kavka, Kunsthistoriker, Schwerin / Berlin

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.
Ausstellung vom 31.08. – 01.10.2011
Ein Gemeinschaftsprojekt mit dem
Mecklenburgischen Künstlerhaus Schloss Plüschow.

Bezirksamt Pankow, Amt für Kultur und Bildung
Galerie Pankow Breite Straße 8, 13187 Berlin
Tel.: 030 47 53 79 25, Fax: 030 48 62 17 09
http://kunstundkultur-pankow.berlin.de
galerie-pankow@gmx.de

Öffnungszeiten: Di – Sa 14 – 20 Uhr und nach Vereinbarung.
Eintritt frei! Verkehrsverbindung: U- und S-Bahn Pankow,
Bus 107, 155, 255, 227, Tram M1, 50

Opening in Berlin

 Tuesday, August 30th 2011, 7pm.

Galerie Pankow Breite Straße 8,13187 Berlin

Galerie Pankow

Galerie Alte Schule Adlershof, Dörpfeldstraße 54-56

kunstprojekte-ev.de

Schloss Plüschow

kunstprojekte-ev.de

Sehen wir diese linearen Kunstgebilde, deren Konturen und Strichlagen sich zu einer Sperrigkeit zu zwingen scheinen, die ihnen nicht ursächlich eingeschrieben ist, tritt vielerlei in den Blick: die frühen Italiener und ihre umrißbetonte Malerei und zugleich die Illustrationen antiker Mythen von John Flaxman, William Blake und den anderen Meistern der klassizistischen Romantik, die Ornamente japanischer Holzschneider, Bonaventura Genelli  und die Nachmoderne – Hockney zum Beispiel. Aber das will nichts besagen, außer, daß sie alle eminente Zeichner waren. Köhler zitiert sie nicht, das käme ihm nicht in den Sinn. Seine Bild-Erfindungen sind autark und entstehen aus dem ständigen Kontakt mit dem Innen und dem Außen. Manchmal in somnambuler Versunkenheit, dann wieder wachem Klarsein. Geometrische Formen stoßen so auf organoide, Figuren verlieren sich in Räumen in denen merkwürdige Apparate und molluskenhafte Zeichen ihr Wesen treiben. Wie Überreste von etwas Zerborstenem ziehen sie schwerelos durch den Raum. Die Bilder sind in der Schwebe, instabil, manchmal ornamental, synthetisch in all ihrer reflektierten Addition der Zeichen.

Wenn Köhler zeichnet, dann ist nicht nur Kunstgeschichte im Atelier anwesend, die Madonnen und Staffagen des Heiligen, sondern auch der Ballast der Bilder aus der Alltagswelt. Man muß sich davon befreien, mit Anstrengungen, aber letztlich wird das nicht gelingen. Schon gar nicht in den Träumen, die Köhler zeichnend erinnert. Und so gewinnt er allen diesen Bildern des Wachseins und des Träumens jene merkwürdig surreale Atmosphäre ab, in der die Dinge aufeinander treffen wie „Regenschirm und Nähmaschine auf dem Seziertisch“. Für Lautréamont war das die denkbare Definition der Schönheit.

Dem zeitgenössischen Künstlertypus des Alleswissers steht Jürgen Köhler denkbar fern. Er stellt sich an einen Ort größter Offenheit, als wäre alles neu und unerkannt. Es ist aber das Gegenteil von Naivität in seiner perfekt unperfekten Darstellungsweise, die auf das kalte Kalkül der alltäglichen Bilder reagiert, indem sie sich widersetzt, die Linie, den Umriß sucht, die Spuren der Suche stehen läßt und als Teil einer artifiziellen Inszenierung versteht. Was den Alten die Linien der Stigmatisierung oder der Emanation des heiligen Geistes waren – geistige wie kompositorische Ordnungslinien – bleibt in Köhlers Anverwandlung oft ohne ikonographische Bedeutung: als rein kristallines Gerüst von eigener Autonomie.

In jüngerer Zeit hat Jürgen Köhler eine Reihe großformatiger Zeichnungen gemacht und mit Wasserfarben sehr sparsam „koloriert“. „Das verlorene Herz“ ist eine davon und man kann sie als Summe der bisherigen Arbeit verstehen. In einem undefinierten Raum – auch der irgendwo zwischen Innen und Außen – liegt eine weibliche Figur, schwer, aber wie auf einem schwebenden Teppich. Eine Puppe? Ein wirkliches Wesen? Sie ist umgeben von allerlei Formen, die weisen uns auf Abwege der Erklärung. Rundbogenfenster, Kronleuchter, phallische Gebilde und gläserne Konstruktionen meint man zu sehen. Und dann: das verlorene Herz darunter, größer als der Kopf und wie herausgeschnitten aus dem Leib. Ist das Poesie? Oder surreales Spiel mit unseren Assoziationen an verlorene Herzen? Oder beides? Eine ironische Idylle oder der Schrecken aus Lautréamonts „Gesängen des Maldoror“, diesem weit in die Gegenwart reichenden Schrei aus einer zerrissenen Zeit? Wir wissen es nicht. Einsamkeitsmetaphern sind es allemal.

Die Magie, die von Jürgen Köhlers Zeichnungen oft ausgeht, hat ihren Grund in dieser vollkommenen Stillgestelltheit der Zeit und des Raumes; in der Abwesenheit von Perspektive und in den ikonischen Ordnungen, in denen Detail und Großform, Figur und Zeichen, „durchgearbeitete“ Passagen und Abbreviaturen sich unvermittelt gegenüberstehen. Der Vergleich mit Kartons zu Fresken kommt nicht von ungefähr. Selbst die kleinen Blätter, die Jürgen Köhler fortwährend auf Karten oder in sein Notizbuch zeichnet, muten an wie Studien zu architektonisch gesehenen Situationen. Fast immer wünschte man ihnen eine Wand.

Und dann gibt es Blätter, in denen der Zeichner ins Abstrakte ausschreitet. Die Versatzstücke der figurativen Zeichnungen gewinnen hier ein Eigenleben, formen sich zu Landschaften, Seestücken, von oben gesehen, geometrisiert, zu klaren Ordnungen gefügt, in schwarz oder auch in erdigen Wasserfarben, die gleichwohl leicht und luftig wirken. Meer und Himmelsformationen werden eins: „Gezeiten“ im unendlichen Raum. Verschwinden und Wiederkehr.

Matthias Flügge, Mai 2009

www.guardini.de

Kathleen Krenzlin